Dopo diversi secoli in cui lo sguardo maschile è stato predominante, oggi, sempre più donne si dedicano all'arte, rendendo le loro opere una sorta di inno al femminismo.
"Lo sguardo maschile", ovvero, lo sguardo maschile oggettivante, equivale alla visione delle donne da una prospettiva eterosessuale maschile, che, di volta in volta, le ritrae come oggetti sessuali.
Ecco cinque opere rivoluzionarie di artiste femminili in cui lo sguardo maschile non è assolutamente presente.
5. Faith Ringgold, Tar Beach 2
Durante gli anni '60 e '70, l'artista e autrice Faith Ringgold (n. 1930) ebbe un ruolo importante nelle proteste contro quei musei che sostenevano posizioni razziste e che negavano l'accesso delle opere di artiste donne nelle loro collezioni. Attraverso i suoi dipinti a olio criticò il cosiddetto "sogno americano". Negli anni '70, Ringgold smise di dipingere a olio e iniziò, invece, ad usare l'acrilico sui tessuti. Il risultato fu una nuova tipologia di arte, su tessuti trapuntati, in cui ricorreva il motivo di un'eroina femminile di colore: Ringgold si ispirò alla nonna materna, che durante il triste periodo della schiavitù negli Stati Uniti realizzava proprio trapunte.
Tar Beach 2 fa parte della serie "Women on a Bridge" di Ringgold. Racconta la storia di Cassie Louise Lightfoot, di otto anni, tratta dal libro per bambini sempre di Ringgold Tar Beach. Nella storia, Cassie sogna di poter volare e affrontare i problemi del mondo. Cassie è ritratta ripetutamente e la vediamo volare attraverso il cielo, dove parti della storia vengono riprodotte per iscritto.
Il viaggio in volo della ragazza simboleggia il potenziale di libertà e indipendenza. Le figure femminili forti, in particolare le donne afroamericane, sono un tema ricorrente nell'opera di Ringgold, in cui vengono sollevate questioni politiche e sociali. Faith Ringgold ha commentato la sua opera così: “Le mie donne volano, sono libere. Si prendono la libertà confrontandosi con il simbolo maschile - il ponte".
4. Ana Mendieta, Untitled (Glass on Body Imprints)
Ana Mendieta (1948-1985) è stata un'artista che ha messo molto in dubbio lo sguardo maschile. Attraverso la sua arte ha assunto il controllo della prospettiva, mentre rappresentava il proprio corpo e trasmetteva messaggi politici: femminismo, appartenenza, violenza, vita e morte. Dopo il suo arrivo negli USA da Cuba, nel 1961, iniziò a esplorare il suo corpo e spesso lo paragonò ai quattro elementi della natura, che usò come mezzo scultoreo in cui posizionava il suo corpo andando a decorare il contorno con pietre, ramoscelli, fiori e sangue documentando il tutto.
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3. Martha Rosler, Semiotics of the Kitchen
Anche Martha Rosler (1943) ha criticato fortemente le norme prevalenti nella società. Nel video di sei minuti Semiotics of the Kitchen, del 1975, Rosler rimprovera i tradizionali ruoli di genere presentando gli utensili da cucina in ordine alfabetico. Usa la semiotica (lo studio dei segni e come sono percepiti) per mostrare che le parole sono solo segni che le persone usano per descrivere il loro mondo. Mentre presenta gli utensili, da una forchetta a una grattugia, la sua frustrazione e la sua rabbia permeano il patriarcato. Nel video, vuole differenziarsi dall'immagine classica di una casalinga. Quando tiene in mano il coltello, non mostra il suo uso in cucina, ma lo fa volteggiare in aria come se stesse tagliando lo spettatore. Il suo linguaggio quotidiano ha lo scopo di mostrare il ruolo delle donne nella società patriarcale e il linguaggio sfida l'oggettivazione delle donne. Questioni come la vita quotidiana, la xenofobia e la giustizia sociale hanno caratterizzato l'arte di Rosler dalla fine degli anni '60 in poi.
2. Jenny Saville, Propped
Come Ana Mendieta, anche Jenny Saville (1970) vuole distorcere il corpo della donna. Raggiunge questo obiettivo nel suo autoritratto Propped, venduto per $ 12,4 milioni nel 2018 (rendendo Saville l'artista femminile vivente più costosa al mondo). Nel dipinto, grezzo e quasi fastidioso, Saville si è ritratta in un modo che di solito non viene mostrato nella raffinatezza dell'arte: seduta, nuda, socchiude gli occhi verso lo spettatore, su un simbolo fallico nero con le unghie impresse nelle cosce e nei seni premuti insieme. Attraverso l'opera, Saville ha citato la scrittrice femminista Lucie Irigaray: “Se continuiamo a parlare in questa stessa identità - parlando come abbiamo fatto per secoli, falliremo a vicenda. Ancora una volta, le parole passeranno attraverso i nostri corpi, sopra le nostre teste - scompariranno, ci faranno scomparire”.
Oggi, Saville continua a sollevare quelle domande e ritrarre figure che non si adattano alle norme di bellezza occidentali. È affascinata dal vero corpo femminile, dove esagera deliberatamente gli elementi corporei che la società considera "brutti".
1. Shirin Neshat, Unveiling (Women of Allah)
Shirin Neshat è nata nel 1957 a Qazvin, in Iran, in un momento in cui i diritti delle donne stavano diventando sempre più importanti. Dopo aver vissuto negli Stati Uniti dal 1975 al 1991, tornò in Iran, accolta da una società completamente diversa da quella che ricordava dall'infanzia. Iniziò a descrivere i cambiamenti avvenuti in Iran dopo la Rivoluzione islamica del 1979. Tra il 1993 e il 1997, creò la serie Women of Allah in cui esplorò l'identità delle donne in un panorama culturale in evoluzione. La serie è composta da immagini in bianco e nero costituite da quattro simboli associati alle rappresentazioni occidentali del mondo musulmano: il velo, la pistola, il testo e lo sguardo.
In Women of Allah, il velo funge da simbolo di libertà e oppressione. Uno dei cambiamenti più visibili in Iran è l'obbligo per le donne di indossare il velo quando si trovano in luoghi pubblici. Mentre molte donne musulmane pensano che questa pratica rafforzi la loro identità religiosa, il velo è stato codificato negli occhi occidentali come un segno di oppressione. L'aspetto dell'opera può anche riflettere le fantasie occidentali rispetto all'Oriente: nei dipinti del XVIII e XIX secolo, le donne non occidentali sono spesso rappresentate nude e circondate da colori forti. Ma nel lavoro di Neshat, la donna guarda lo spettatore e si libera dai secoli di sottomissione agli occhi maschili e occidentali.
Versione aggiornata di un articolo originariamente pubblicato nel 2020.
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