Il legame universale tra madre e figlio è da secoli protagonista dell'arte. Abbiamo raccolto alcune delle più note rappresentazioni della gioia della maternità in pittura, scultura e fotografia.
Madonna Sistina, Raffaello
Maria e Gesù, la madre e il figlio più famosi della storia dell'arte, hanno ispirato gli artisti per generazioni. Dalle opere della Madonna con il Bambino alla Pietà, questo rapporto è stato un tema universale, rappresentato attraverso la pittura, la scultura, le vetrate e altro ancora. Raffaello, il principale artista del Rinascimento, dipinse la Madonna Sistina, combinando l'umanità e la tenerezza del rapporto madre-figlio con il significato di Gesù come figlio di Dio e salvatore del mondo. Commissionata per la prima volta da Papa Giulio II nel 1512, nel 1754 fu acquistata dal re Augusto III di Polonia per 110.000 franchi, la cifra più alta mai spesa all'epoca per un dipinto, e trasferita a Dresda, dove è tuttora conservata presso la Gemäldegalerie Alte Meister (Galleria del Vecchio Maestro).
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The Child's Bath, Mary Cassatt
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Nonostante non avesse figli, l'impressionista americana Mary Cassatt è nota soprattutto per aver ritratto le madri con i loro figli in scene domestiche quotidiane. La sua opera più famosa è The Child's Bath (Il bagno della bambina) (1893), che mostra una giovane madre vestita con un abito lungo che lava i piedi della figlia in una bacinella. I blocchi delineati di colori pastello tenui e la struttura orizzontale del dipinto ricordano il giapponismo, in quanto l'interesse per le xilografie giapponesi si diffuse in Francia negli anni Novanta del XIX secolo. Quest'opera fu acquisita nel 1910 dall'Art Institute di Chicago. Sebbene all'inizio della sua vita avesse sperimentato altri temi, dal 1900 fino alla sua morte, avvenuta nel 1926, Cassatt si concentrò esclusivamente sulle dolci interazioni delle madri con i loro figli piccoli.
Whistler's Mother, James McNeill Whistler
Quando la modella originale di James McNeill Whistler ingaggiata per questo dipinto non si presentò, fu sostituita da sua madre, Anna Whistler, che però insistette per rimanere seduta (all'epoca aveva 67 anni). L'opera, originariamente intitolata Arrangement in Grey and Black No.1, è caratteristica dell'epoca vittoriana per il contegno stoico di Anna, il lungo abito nero conservatore, la cuffietta bianca e lo sfondo semplice e spartano. Considerato la Mona Lisa vittoriana, il dipinto trasmette una grazia tranquilla ed è uno dei ritratti più noti della storia dell'arte. Fu dipinto a Londra nel 1871 e, sebbene all'epoca non fosse ben accolto dalla critica britannica, fu acquisito dal Musee du Luxembourg di Parigi nel 1891 e oggi si trova al Musee d'Orsay.
Migrant Mother, Dorothea Lange
L'immagine più bruciante e straziante della Grande Depressione, Migrant Mother (Madre Migrante), fu catturata dalla fotoreporter Dorothea Lange nel 1936 in California. Florence Owens Thompson, madre di sette figli, si era accampata sul ciglio della strada dopo che la sua auto si era rotta vicino a un campo di raccoglitori di piselli, dove quasi 3.000 braccianti stavano morendo di fame a causa delle piogge gelate che avevano distrutto il raccolto. La foto trasmette la lotta materna della Thompson e la devastazione universale del decennio, con la fronte aggrottata e lo sguardo ansioso, mentre due dei suoi figli si rannicchiano accanto al suo collo e un altro le dorme in grembo. La toccante fotografia fu ampiamente diffusa dopo che Lange la inviò al San Francisco News e fece sì che il governo statunitense inviasse immediatamente migliaia di chili di cibo al campo dei raccoglitori di piselli.
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Le tre età della donna, Gustav Klimt
Questo dipinto a olio dell'artista austriaco Gustav Klimt raffigura le fasi della vita di tre donne: bambina, madre e nonna. La giovane madre, dalla pelle morbida e rosea e dai capelli color tiziano punteggiati di fiori, abbraccia al seno la sua bambina addormentata. La donna più anziana, potenzialmente una nonna, se ne sta in disparte e i suoi lunghi capelli le nascondono il volto, mentre la sua pelle scurita e venata contrasta con le gote arrossate della giovane madre. Quest'opera lussureggiante, punteggiata dal caratteristico caleidoscopio di colori e forme circolari di Klimt, raffigura la giovinezza della maternità e il futuro della vecchiaia.
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Mother and Child: Block Seat, Henry Moore
Henry Moore disse una volta che il tema della madre e del bambino era "una delle mie due o tre ossessioni, uno dei miei soggetti inesauribili... (è) eterno e senza fine". Lo sperimentò spesso nella sua scultura, con forme astratte di grandi dimensioni che proteggevano forme più piccole e spesso ricavate da un unico pezzo di bronzo o di pietra, evidenziando la loro interconnessione. Ha creato molte sculture di madri e figli di tutte le forme e dimensioni che si trovano in musei come l'Hirshhorn di Washington e la Tate di Londra. Le sue opere di madre e figlio sono anche apparse all'asta, come questa Mother and Child: Block Seat, un'opera astratta in bronzo che mostra una forma oblunga, che simboleggia il bambino, infilata nel braccio di una madre seduta e formosa. È stata venduta da Christie's nel 2010 per 2,8 milioni di dollari.
Autoritratto con la figlia Julie, Elisabeth Vigee LeBrun
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Elisabeth Vigée Le Brun fu una ritrattista rococò di grande successo nel XVIII e XIX secolo, che ricevette l'incarico di dipingere i reali europei, come Maria Antonietta, e che infuse ai suoi soggetti una gentilezza e una dignità regali. L'artista presentò quest'opera al Salon di Parigi del 1786. In essa l'artista ritrae se stessa con la giovane figlia Julie accoccolata in grembo. Il colore tenue e la luminosità dell'opera, mentre entrambi i soggetti guardano fuori dalla tela, li fa sembrare quasi fotografici, colti in un dolce momento di abbraccio. Quest'opera fu oggetto di controversia al Salon, in quanto i denti che Le Brun mostra nel suo sorriso furono considerati inappropriati, anche se l'amore materno era innegabile.
